Der World-Press-Photo-Wettbewerb ist der einzige internationale Wettbewerb dieser Art, an dem Fotografen aus der ganzen Welt teilnehmen. Jedes Jahr treffen zum Einsendeschluss Ende Januar Zehntausende von Pressefotos freier Pressefotografen, Presseagenturen, Zeitungen und Magazine bei World Press Photo in Amsterdam ein. Die Einsendungen umfassen alle wichtigen nachrichtenbezogenen Ereignisse des Vorjahres. Insofern ist der Wettbewerb immer auch ein Resümee des aktuellen Weltgeschehens. Neben der Wahl zum Pressefoto des Jahres werden Preise in den folgenden zehn Kategorien vergeben: General News, People in the News, Sports Action, Sports Features, Contemporary Issues, Daily Life, Portraits, Arts and Entertainment und Nature.
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Ausgabe Nr. 37 des Online-Magazin für Fotografie Thüringen - Sachsen Anhalt - Hessen - Fotografie im Fernsehen - Archiv
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Fotografie: Fausto Podavini, Italien |
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WORLD PRESS PHOTO - Ausstellungen |
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| Ostbahnhof in Berlin vom 6. bis 16. Oktober und Hauptbahnhof in Halle / Sachsen-Anhalt vom 20. bis 29. Oktober | |||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||
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Die World Press Photo
Foundation ist eine unabhängige, gemeinnützige Organisation, die 1955 in
den Niederlanden gegründet wurde. Das Hauptziel
von World Press Photo besteht darin, die Arbeit professioneller
Pressefotografen zu unterstützen. Im Laufe der Jahre hat sich World
Press Photo zu einer unabhängigen, international renommierten Plattform
für Fotojournalismus entwickelt. Zum Erreichen seiner Ziele veranstaltet
World Press Photo alljährlich den weltweit größten Wettbewerb für
Pressefotografie. Die preisgekrönten Fotos werden in einer
Wanderausstellung gezeigt, die in mehr als 80 Ländern von über einer
Million Besuchern gesehen wird. Begleitend wird ein Jahrbuch mit allen
preisgekrönten Einsendungen in sechs Sprachen veröffentlicht.
Neben dem Ausstellungsprogramm beschäftigt sich World Press Photo mit aktuellen Entwicklungen im Fotojournalismus. Förderprojekte spielen eine immer größere Rolle: So werden unter anderem sieben Mal im Jahr in Entwicklungsländern Seminare für Fotografen, Fotoagenturen und Bildredakteure veranstaltet.
Beim
jährlich von der Stiftung durchgeführten
World-Press-Photo-Wettbewerb wird das Pressefoto des
Jahres gewählt. Die Wahl zum Pressefoto des Jahres gilt
als weltweit höchste Auszeichnung unter Fotografen.
Das World Press Photo des vergangenen Jahres wurde nach zweiwöchiger Beratung ausgewählt und ist nicht nur ein Zeichen von hervorragendem Fotojournalismus, sondern bewirkte auch eine weite Debatte über die Nachbearbeitung von Aufnahmen. Das Gewinnerfoto zeigt, wie die Leichen von zwei Kleinkindern von trauernden Verwandten zu Grabe getragen werden. Sie starben bei einem israelischen Luftangriff auf den Gazastreifen im November 2012. Auch ihr Vater wurde getötet, die Mutter und vier Geschwister schwer verletzt. Mayu Mohanna, ein Jurymitglied aus Peru, zeigt sich beeindruckt von der Stärke des Bildes, die sich “in der Art, wie es die Wut und das Leid der Erwachsenen mit der Unschuld der Kinder kontrastiert”. Kritik kam jedoch nach der Verkündigung des Gewinners auf, da dem Fotograf Hansen eine zu umfangreiche Nachbearbeitung bei der Belichtung vorgeworfen wurde (hier ein Artikel dazu im Spiegel-Online). Doch nach nochmaliger Prüfung der vorgenommenen Veränderungen steht World Press Photo weiterhin zu seiner Entscheidung. Neben Fotografien von den Kriegsschauplätzen der Welt – darunter finden sich bewegende Bilder zum nun eskalierenden Syrienkonflikt – sind beachtenswerte Bilder in der Kategorie des Sports und der Reportage ausgewählt worden. So schenkt die Serie Fausto Podavinis den Betrachtern einen intimen Einblick in das Leben mit Demenz; und Maika Elan greift das Thema gleichgeschlechtlicher Liebe auf – in Vietnam. |
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Goethe beschreibt in
seinem Werk „Die
Metamorphose der Pflanzen" eine ihn faszinierende Wunderwelt der
pflanzlichen Natur. Er schafft mit überschwänglichen Worten ein Hohelied
auf die Schönheit in der Entwicklung der Pflanzen, die in symbolhafter
Weise allgemeingültig das Leben betreffen. Angeregt durch die Fotografen
Karl Bloßfeldt und Robert Mapplethorpe versuche ich, Goethes Gedanken im
meiner Bildwelt umzusetzen. (Gisela
Nerlich-Kunzendorf) Verband Bildender Künstler Thüringen e.V. (VBKTh), Haus zum Bunten Löwen, Krämerbrücke 4, 99084 Erfurt |
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Fotografie:
Giséle Freund, La Table de travail de Virginia
Woolf, Credits: Centre Pompidou, RMN/IMEC France |
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Mit der Ausstellung von Jessica Backhaus & Gisèle Freund möchte die Kunsthalle Erfurt unter der Bezeichnung "CC - Classic Contemporary“ eine neues Format initiieren. Indem jeweils eine klassische mit einer zeitgenössischen Position in Beziehung gesetzt wird, soll ein wichtiger programmatischer Schwerpunkt des Hauses – die Fotografie – akzentuiert werden.
Über den visuellen Dialog oder Diskurs auch zeitlich verschiedener künstlerischer Arbeiten wird Fotografiegeschichte bis in die Gegenwart hinein „fortgeschrieben“, thematisiert und reflektiert, hinterfragt und verworfen und für den heutigen Ausstellungsbesucher anschaulich. Den Auftakt dieser Ausstellungsreihe soll eine Schau von Arbeiten Gisèle Freunds (1908-2000) und Werken von Jessica Backhaus (*1970) bilden. 1992 haben sich beide in Paris kennengelernt, und Backhaus hat dieser Begegnung nicht nur hinsichtlich ihrer Entwicklung als Fotografin sehr viel zu verdanken. Zwischen den beiden Frauen – damals Studentin bzw. Grande Dame der Fotografie – entwickelte sich eine freundschaftliche Beziehung. Auch nach dem Weggang der Jüngeren 1995 nach New York blieb der Kontakt erhalten und wurde erst durch den Tod Freunds im Jahr 2000 beendet. Backhaus widmete der bewunderten Mentorin und Freundin anlässlich deren 100. Geburtstag im Jahr 2008 eine ihrer Fotoserien: One Day in November (2005-2008), die weniger als klassische Hommage, denn als stilles, überaus poetisches Bildgeschenk wirkt. Nicht zuletzt aus Respekt und Bewunderung hatte Backhaus sich nicht getraut, ihre Arbeiten Freund zu Lebzeiten zu zeigen – bis auf eine Aus- und Aufnahme. Daher erscheint das nachgereichte Geschenk auch wie ein Versuch, die Kommunikation mittels des (einst) von beiden genutzten Mediums Fotografie über den Tod hinaus aufrecht zu erhalten. Die Kunsthalle Erfurt wird neben der an Freund gerichteten Werkgruppe auch weitere Fotoserien von Jessica Backhaus präsentieren. Daneben sind Arbeiten von Gisèle Freund zu sehen, die Backhaus gemeinsam mit der Kuratorin Silke Opitz ausgewählt hat, und die hinsichtlich der Beziehung und künstlerischen Auseinandersetzung mit Freund für die jüngere Fotografin eine wichtige Rolle spielen. Dankenswerter Weise ermöglichen zahlreiche Leihgaben aus dem Centre Pompidou in Paris sowie den IMEC Archives in Saint-Germain-la-Blanche-Herbe diese einmalige Zusammenschau. |
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KUNSTHALLE
im Haus zum Roten
Ochsen
in
ERFURT
/
Thüringen
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| Fotografie: Volkmar Herre, Findlinge | |||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||
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Die Stille sei die größte Offenbarung, sagte vor langer Zeit der chinesische Philosoph Laotse, und je länger man Bilder aus der Camera obscura auf sich wirken lässt, desto mehr er scheinen sie wie eine Manifestation dieser Weisheit. Kreideformationen Rügens, der Naturwald der Insel Vilm, Steinstrände am Meer und Orte ursprünglicher Natur bieten mir immer wieder Inspiration, mit der Camera obscura dem Mysterium von Licht und Zeit nachzugehen. Wo vor Augen das Meer brandet, breiten sich nach langer Belichtung ruhige Flächen aus, die Schwere der Steine erhält eine archaische Anmutung, Fragmente von Bäumen erzählen Geschichten. Im besonderen Insellicht, bei Nebel, in unter schiedlicher Jahreszeit gleichen diese Bilder oft der in Märchen beschriebenen Natur, in der Gesetze aufgehoben sind und das Wunder vorherrscht. Ort der Ausstellung: Galerie im Bürgerhaus in Zella-Mehlis - Die Webseite von Volkmar Herre
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Schmollmund, lange blonde Haare und die traumhaft schöne Kulisse von St. Tropez. Alles Synonyme, die in ihrer gemeinsamen Betrachtung nur auf eine Frau zutreffen können: „B.B.“ - Brigitte Bardot, geboren am 28. September 1934 in Paris und nun angekommen in der Rhön-Rennsteig- Sparkasse in Meiningen. Anlässlich des bevorstehenden 80. Geburtstages der Stil-Ikone des französischen und europäischen Films präsentiert die Rhön-Rennsteig-Sparkasse vom 16. Juli 2013 bis 28. Februar 2014 diese besondere Ausstellung mit 67 bemerkenswerten Bildern namhafter Fotografen. Erstmalig im deutschsprachigen Raum wird so der Mythos von „B.B.“ neu beleuchtet. Als wohlbehütete Tochter aus gutem Haus gelang es ihr, das großbürgerliche Sittengemälde Frankreichs der 1950er Jahre aufzubrechen. Aufgewachsen im 8. Arrondissement in Paris, zeigte sich bereits bei der sechsjährigen Brigitte ihre Neigung zum Tanzen. Mit 13 Jahren bestand sie die Aufnahmeprüfung für das Nationalkonservatorium für Musik und Tanz und entwickelte sich in der Folgezeit von dem schüchtern-unauffälligen Mädchen zu einer jugendlichen Schönheit. Am 2. Mai 1949 lächelte sie erstmals vom Cover der Zeitschrift Elle. Die offenen knallroten Lippen und der provozierende Blick sollten zu ihrem bis heute gültigen Markenzeichen werden. Der junge Regisseur Roger Vadim, mit dem sie eine Beziehung einging, erkannte das enorme Starpotenzial und baute sie kontinuierlich auf. Mehrere Kurzauftritte in Filmen wie „Das Gänseblümchen wird entblättert“ folgten. Mit Vadims Regiedebüt 1956 „Und immer lockt das Weib“ wurde Brigitte Bardot an der Seite von Curd Jürgens über Nacht zum neuen Sexsymbol Frankreichs. Ab dem Beginn ihrer Filmkarriere 1952 entwickelte sie sich zum cineastischen Inbegriff sexueller Freizügigkeit und weiblicher Emanzipation. Die Rolle der autonomen, über ihren Körper selbst bestimmenden Frau lebte sie im Alltag weiter. Brigitte Bardot wurde zu der Ikone, die wir bis heute schätzen. Erinnert sei hier an die großen Filmstreifen „Die Wahrheit“ (1960), „Die Verachtung“ (1963)„Viva Maria“ (1965) oder auch „Petroleum-Miezen (1971). 1973 beendete sie im Alter von 39 Jahren ihre Filmkarriere und gründete ein paar Jahre später ihre Stiftung zur Rettung von Tieren. Heute lebt „B.B.“ in der Nähe von St. Tropez. Eine Ausstellung von Reichelt und Brockmann, Mannheim © Rhön-Rennsteig-Sparkasse, Leipziger Straße 4, 98617 Meiningen
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Fotografie: Steinböcke unter dem Razor. Foto: Dan Briški, Ljubljana |
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Fotoausstellung „Sagenhaft III“ |
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Aus der Serie "Königreich des Zlatorog" im Literaturmuseum Baumbachhaus von 12. Mai 2013 bis 27. April 2014 in Meiningen / Thüringen
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Für den damals jugendlichen Bergfreund Rudolf Baumbachs, den Alpinschriftsteller, Musiker und Bergsteiger Julius Kugy (1858 – 1944) waren die Julischen Alpen ein Zaubergarten aus Stein und die sie durchrauschende Soča der schönste Wildfluss der Alpen. Auch den Dichter und Botaniker Rudolf Baumbach (1840 – 1905) selbst faszinierten die Julier. Hier fand er die Motive für sein Alpenepos „Zlatorog“, das 1876 erschien und den literarischen Ruhm Baumbachs begründete. Das Werk fußt auf einer slowenischen Sage, deren Schauplatz die Bergwelt um den Triglav (2864 m) bildet. Dort soll der Gämsbock Zlatorog (Goldhorn) in einem paradiesischen Hochgebirgsgarten eine heilige weiße Herde angeführt haben. Nach der Freveltat eines Jägers zogen die weißen Gämsen davon und Zlatorog verwüstete das einst fruchtbare Hochplateau. Dadurch – so will es die Sage – entstand die unfruchtbare felsige Berglandschaft, die der heutige Besucher dort vorfindet. Mit den Fotografien von Dan Briški geht das Ausstellungsprojekt „Sagenhaft“ des Meininger Literaturmuseums in die letzte Runde. In den vorausgegangenen Expositionen hatten Grafiken von Wolfgang Nickel (Sagenhaft I, 15. Mai 2011 – 20. Mai 2012) und Fotografien von Andreas Gütter (Sagenhaft II, 28. Juni 2012 – 1. Mai 2013) eine Verbindung zu Ludwig Bechsteins Thüringer Lokalsagen geknüpft.
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Literaturmuseum Baumbachhaus,
Burggasse 22, 98617 Meiningen
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| Fotografie: Kathrin Hildebrandt, Taucher in Cenote | |||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||
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Fotoausstellung Reisen ins BlaueUnterwasserlandschaften der Weltmeere |
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Von Kathrin Hildebrandt in den Historischen Wehranlagen in Mühlhausen / Thüringen bis 3. November 2013 |
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Vor 12 Jahren begann die “Taucherkarriere“ von Kathrin Hildebrandt und seit 6 Jahren gehört die Kamera zum festen Bestandteil ihrer Tauchausrüstung. Dabei unterscheidet sich das Fotografieren unter Wasser von dem in der natürlichen Umgebung doch beträchtlich. Man muss sein Equipment entsprechend wasserdicht verpacken, das macht es natürlich schwieriger in der Bedienung. Außerdem hat schon so mancher ambitionierte Unterwasserfotograf durch kleine Unaufmerksamkeiten seine geliebte Kamera im wahrsten Sinne des Wortes versenkt! Die Lichtverhältnisse ändern sich mit jedem Meter Tauchtiefe und schließlich sind nach und nach alle bekannten Farben verschwunden, bis nur noch ein Einheitsgrau vorherrscht. Die Verwendung von Kunstlicht ist daher unumgänglich, um die Farbenpracht der Unterwasserflora und Fauna richtig einzufangen. Die gezeigten Bilder sind in unterschiedlichen Ozeanen entstanden, vom Roten Meer über Karibik und Pazifik bis hin zum indischen Ozean. Porträtiert wurden ganz unterschiedliche Tierarten und Pflanzen. Meterlange Haie und Bekanntes, wie der Clownfisch, gehören genauso dazu wie nur millimetergroße Nacktschnecken, Seepferdchen oder der exotische Schaukelfisch. Farbenprächtige Korallen und nahezu unnatürlich erscheinende Seesterne geben dem Betrachter einen kleinen Einblick in die Artenvielfalt dieser fremden Welt. Kathrin Hildebrandt beweist dabei ihren Blick fürs Detail und ihre Begeisterung für Poseidons Reich auch noch nach Hunderten von Tauchgängen. Zusätzlich entführen Sie die Bilder zu versunkenen Wracks und in Höhlensysteme in Mexiko. Lassen auch Sie sich in dieser Ausstellung in die Welt von Flipper und Nemo entführen und nehmen Sie einen Teil der Faszination mit nach Hause, die jeden erfasst, der diesen Lebensraum einmal selbst erkundet hat. Tauchen Sie ab in die fantastische Welt unter den Wellen, die unvergessliche Abenteuer bereithält.
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Fotografie: Dr. Unni Krishnan |
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Der Bildautor, Dr. Unni Krishnan Pulikkal, Jahrgang 1969, ist Landarzt
im Bundesstaat Kerala im Süden Indiens, wo er ein Landambulatorium mit
kleiner Bettenstation im Einzugsgebiet der Bezirksstadt Trissur
betreibt. Trissur ist die heimliche Kulturhauptstadt Keralas, weil dort
die Akademie der Künste ansässig ist. Seine Freizeit widmet Dr. Pulikkal der Fotografie und der Natur. Sein bevorzugtes Motivgebiet dabei sind die Schmetterlinge und Insekten der Western Ghats, ein Gebirgszug, der die Bundesstaten Kerala und Tamil Nadu trennt und der als UNESCO-Biosphärenreservat anerkannt ist.
Die Aktivitäten von Dr. Pulikkal sind ein wichtiger Beitrag zum Schutz
der Natur und haben inzwischen internationale Bedeutung erlangt. Darüber
hat er auch wissenschaftliche Arbeiten veröffentlicht, z.B. hat er den
Lebenszyklus von zwei Schmetterlingsarten erforscht. Als Stifter und
Präsident der „Butterfly Art Foundation“ in Kerala will er die
Aktivitäten zum Schutz der Natur maximal unterstützen. So hat er u.a.
bewirkt, dass in allgemeinen Schulen wie in Gymnasien Keralas sogenannte
„Schmetterlingsgärten“ von den Schülern angelegt werden, mit
Wirtspflanzen, von denen sich Schmetterlingslarven ernähren. |
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Industrie- und Filmmuseum Wolfen,
Chemiepark Bitterfeld-Wolfen, Areal A,
Bunsenstraße 4, 06766 Bitterfeld-Wolfen
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Fotografie: Katarzyna Mazur, Aus der Serie: Porcelain chin, 2012, Inkjet Print auf Baryt Papier, © Katarzyna Mazur |
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Die Ausstellung versammelt ca. 160
fotografische Arbeiten von Studierenden der Ostkreuzschule für
Fotografie in Berlin, die sich im letzten Jahr mit dem Thema „Jugend“
auseinandersetzten. Die Lebensphase zwischen Kindheit und Erwachsensein
wird von den jungen Fotografinnen und Fotografen in ihren Bildern sowohl
inhaltlich als auch formal auf vielfältige Weise reflektiert. Sie gehen
in ihren fotografischen Serien unter anderem Fragen nach
Geschlechterkonstruktionen und -verhältnis, Sexualität, Freizeit,
Schule, individueller Verortung, Gruppenbildung und Normierungen nach.
Jugend ist in den üblichen Werbebildern als auch in künstlerischen Auseinandersetzungen in der Regel eine klischeehafte Projektionsfläche für Aufbruch, Hoffnung, Schönheit, Freiheit, Energie und Stärke. Jedoch steht Jugend auch für eine gewisse Unreife, Zerrissenheit, Launenhaftigkeit, Orientierungslosigkeit und Naivität – dafür, gleichzeitig Kind und Erwachsener zu sein, je nach Tageszeit und Situation. Jugend ist ein Prozess, eine Entwicklungsphase und kein festgeschriebener Zustand. Entsprechend breit gefächert sind die inhaltlichen Schwerpunkte und Perspektiven, die die Künstler/innen für die Ausstellung aufgegriffen haben. Ebenso mannigfaltig sind die formal-ästhetischen Ansätze, über die sich die künstlerischen Reflexionen artikulieren. Die Ausstellung stellt junge Positionen der zeitgenössischen Fotoszene Deutschlands vor, die durch einen gesellschaftspolitisch motivierten Begriff der Fotografie geprägt sind. Die Ausbildung von Fotograf/innen an der Ostkreuzschule für Fotografie in Berlin formuliert einen in Deutschland singulären Anspruch an das Medium. Angesiedelt an der Schnittstelle von dokumentarischer und künstlerischer Fotografie sowie Reportagefotografie werden formal-ästhetische Kriterien vermittelt und der (kritische) Blick auf Bedingungen des gesellschaftlichen Lebens und dessen Alltag geschärft. |
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KUNSTMUSEUM DIESELKRAFTWERK,
Uferstraße / Am Amtsteich 15,
03046 Cottbus
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Fotografie: Cristobal Serrano Perez (ES), Sigerbild, Verfolgungsjagd - The pursuit ... |
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Europäischer Naturfotograf des Jahres 2012 |
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vom 21. bis 31. Oktober 2013 im Hauptbahnhof FRANKFURT in Hessen |
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„GDT Europäischer Naturfotograf des Jahres 2012“ wurde der finnische Fotograf Tommy Vikars mit seinem Bild „Der Sternengucker“. Das Bild zeigt in Finnland ausgewilderte Weißwedelhirsche in einer Winternacht an ihrem Futterplatz. Für diese Aufnahme verbrachte Vikars viele Stunden im nächtlichen Wald: „Es war in der Dunkelheit oft nur sehr schwer zu erkennen, was sich am Futterplatz abspielte, und so misslangen viele Bilder. Oft bewegten sich die Tiere während der langen Belichtung zu schnell oder in eine falsche Richtung.“ Tommy Vikars arbeitete mit einer versteckten Kamera, die er per Fernauslöser bedienen konnte. Er selbst saß etwa 50 Meter vom Futterplatz entfernt in einer Hütte und beobachtete das Geschehen auf dem Display einer zweiten Kamera, die er mit einem 300er bestückt hatte. Die internationale Jury nahm dieses Bild auf Anhieb in die engste Auswahl: das Motiv ist traumhaft schön, atmosphärisch sehr dicht und absolut überzeugend. Juror Manuel Presti weiter: „Das Bild vereinigte Ästhetik, technisches Können, Emotionen, Magie und Innovation und erzählte darüber hinaus auch eine Geschichte über das Leben wilder Tiere. Umso mehr haben wir uns alle bei der Kontrolle der RAW-Datei gefreut, feststellen zu können, dass der Autor auch sehr ehrlich bei der Nachbearbeitung vorgegangen war.“ Tommy Vikars ist ein „Waldmensch“ mit Leib und Seele: „In manchen Jahren verbrachte ich fast meine gesamte Freizeit im Wald. Anfangs fotografierte ich gar nicht so viel, wanderte lieber umher und dachte darüber nach, welche Faszination der Wald auf den Menschen ausübt, wie viele Geheimnisse dort zu entdecken sind, und dass ich mich bei diesen Wanderungen glücklich und gesund fühlte und viel mehr bei mir war als an anderen Orten. Diese Gefühle versuchte ich auch, mit meinen Bildern zum Ausdruck zu bringen. Ich wollte das Wesen des Waldes, seinen Geist, einfangen.
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| © Gesellschaft Deutscher Tierfotografen e.V. (GDT) | |||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||
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Fotoausstellung Peter BialobrzeskiThe Raw and the cooked |
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In der Galerie Lothar Albrecht in Frankfurt am Main / Hessen vom 7. September bis 2. November 2013 |
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Die Hölle der Lebenden ist
nicht etwas, das erst noch kommen wird. Wenn es
eine gibt, ist es die, die schon da ist, die Hölle, in der wir jeden Tag
leben, die wir durch unser Zusammensein bilden. Der höllische Schein der Großstadtlichter strahlt vom Himmel auf uns zurück. Es ist eine grelle Dunkelheit, die uns in Peter Bialobrzeskis fotografischen Bildern umfängt und das Vertraute in eine traumhafte Sphäre rückt. Die Silhouette der Stadt zwängt sich unter eine klaustrophobisch anmutende Kuppel, die das Himmelsgewölbe imitiert. Die Spitzen der Stadttürme bohren sich in den Baldachin. Würde jetzt ein Stern vor uns auf der Erdoberfläche auftreffen, wäre es wohl ein Scheinwerfer, den wir misstrauisch beäugten. Aber natürlich ist der Scheinwerfer ein filmisches Zitat aus Peter Weirs Die Truman Show, in der eben jener Truman Burbank seit seiner Geburt in einer künstlichen errichteten Stadt lebt. Ohne es zu wissen, ist er Hauptakteur einer aufwendigen Realityshow, bei der jeder seine Schritte von unzähligen Kameras aufgezeichnet wird. Seine Familienmitglieder und Freunde sind nach genauen Regieanweisungen agierende Schauspieler. Am 10 909. Tag der Ausstrahlung fällt dem jungen Mann plötzlich ein Scheinwerfer vor die Füße und er beginnt, misstrauisch zu werden. Nach und nach erfährt er die Wahrheit, um schließlich mit einem Boot zu flüchten und am Trompe-I’oeil-Horizont der Studioaußenwand zu stranden. Dort findet er eine Tür und entschwindet aus einer perfekt simulierten Welt in die dahinterliegende Wirklichkeit. The Raw and the Cooked von Peter Bialobrzeski zu öffnen stellt im Grunde die Umkehrung der filmischen Groteske dar. Es ist, als ob man die Klinke der Tür zu einem unbekannten Dahinter herunterdrückt, freudig erregt oder gespannt nervös den Kopf durch den Rahmen steckt und – ähnlich wie Truman – in eine unbekannte Parallelwelt blickt. Unmittelbar entfaltet der schimärische Raum, der uns in Bialobrzeskis Buch empfängt, seine Wirkung. So haben wir den Fuß noch gar nicht Ganz über die Schwelle gesetzt, als wir sogartig in die bildgewaltigen Cinemascope-Ansichten hineingezogen werden. Die mit einer hohen Dosis Künstlichkeit versehene Welt, die Bialobrzeskis Fotos vor uns auffächern … wie verführerisch und abgründig sie funkelt! Verzehrt vom Drang, diese umgehend erobern zu wollen, blättern wir und erwartungsfroh durch die Ansichten. Dabei sind wir keineswegs verwundert, dass Uns das Betrachten ein einen Zustand des Unterwegsseins versetzt und Wir uns in Reisende verwandeln. Vielleicht sollten wir eine Fahrradrischka Anhalten oder uns im Auto durch die Stadt kutschieren lassen? Während sich die vorbeirollenden Taxis in den verstopften Verkehrsadern unabdingbar festfahren, bewegen wir uns lieber zu Fuß durch die Straßen, um den urbanen Raum von den Rändern her ins Zentrum zu erobern. Keiner Zeitökonomie unterworfen, schlendern wir müßiggängerisch durch Bialobrzeskis Stadtlandschaften, weichen Hindernissen geschmeidig aus und lassen unseren Blick neugierig in der metropolitanen Unordnung umherschweifen. Ein räumlicher Zusammenhang ist schwer erkennbar, es bilden sich abstrakte Räume innerhalb der Stadt aus, die durch Gegenüberstellung und Fragmentierung charakterisiert sind. Dabei müssen wir aufpassen, um uns nicht sofort in der Weite des städtischen Molochs zu verlieren, das eine erdrückende Komplexität und ständige Reizüberflutung aufbietet. Auch wenn der eigentliche Flaneur eine literarische Erfindung des 19. Jahrhunderts ist, so begreifen wir uns in genau dieser Rolle, wenn wir Uns durch Buch wie durch ein Labyrinth von Gebäuden, Transportwegen und öffentlichen Plätzen vorwärts bewegen, die wiederum von Bildern und Schriftzügen auf Tafeln, Schildern und Screens beherrscht sind. „Die Stadt ist nicht mehr politisch-industrielles Vieleck aus Zeichen, Medien und Codes.“Wir schlendern an den Gebäudefronten vorbei, an denen jede freie Meter mit Reklametafeln eingedeckt ist: ein Tanz der Bilder und Zeichen3, überbordende Werbebotschaften, mit denen Geschäfte und Dienstleister Aufmerksamkeit zu genieren versuchen, in Wahrheit aber nur die Sinne der Vorübereilenden vernebeln. Das Flanieren durch die Stadt, die nach Jean Baudrillard einen zerstückelten Raum distinktiver Zeichen bildet,4 gerät zu einem nicht endenden Vorgang des Lesens und der Reflexion.
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Fotografie:
Georges Rousse, Rüsselsheim, 2003 |
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Das Interesse an
Raum und Räumen verbindet Knut Henrik Henriksen und Georges
Rousse. Der französische Künstler Rousse (geb. 1947) malt und
zeichnet seit über dreißig Jahren in gefundene
Liegenschaften räumlich gestaffelte Interventionen, die
sich erst durch die Kameralinse optisch zusammenfügen. Der
jüngere norwegische Künstler Henriksen (geb.
1970) erlangte jüngst Aufmerksamkeit mit großformatigen
architektonischen Interventionen im Außen- und Innenbereich. Vor zehn Jahren hat sich Georges Rousse in Rüsselsheim jene Orte für seine konzeptionelle Raummalerei ausgesucht, die sich in der Umstrukturierung befanden: das Dachgeschoss des Opelvillen-Ausstellungshauses, das damals ungenutzt war und heute die Verwaltung der Stiftung Opelvillen beherbergt, und die Opel-Werkshalle A 1, die einst dem Automobilbau diente und mittlerweile als Veranstaltungsort genutzt wird. Die dort über Wochen entstandenen Raummalereien wurden in den finalen Fotografien Rüsselsheim, 2003, festgehalten. Diese sind ebenso Teil der Ausstellung wie spätere Fotoarbeiten von Rousse, die er an anderen industriekulturellen oder verlassenen Orten realisierte. In der aktuellen Doppelausstellung wird Knut Henrik Henriksen das Erdgeschoss bespielen und eine Außenskulptur auf der Rasenfläche der Opelvillen errichten. Die fotografischen Werke von Georges Rousse werden im ersten Stock präsentiert. |
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Stiftung Opelvillen
• Ludwig-Dörfler-Allee 9 • 65428
Rüsselsheim
/
Hessen
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Entstanden sind die Aufnahmen im 17. Arrondissement von Paris, einem
Stadtteil, in dem die Fotografin lange Zeit lebte. Fasziniert von
ihrer Umgebung, hat sie Schauplätze und Impressionen ihres Alltags
festgehalten und ihnen einen fast mystischen Anschein verliehen.
Denn was Bénédicte Lassalle zeigt, ist nicht die detailgetreue
Abbildung der Realität. Jedes Bild ist eine Fotomontage und
kombiniert jeweils ein Stadtpanorama mit einer Naturaufnahme. Die
Bäume mit ihrem Labyrinth aus Zweigen, Knospen und Blättern
erscheinen wie ein zarter Schleier, durch den der Betrachter in die
Seele von Paris blickt. Die urbanen Silhouetten erhalten auf diese
Weise eine poetische Schönheit. Die französische Hauptstadt wirkt
märchenhaft - das Gewöhnliche erstrahlt in einem besonderen Zauber.
Diese ist Webseite von
Bénédicte Lassalle
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| Die im Werksgebäude der Leica Camera AG in der Oskar-Barnack-Straße 11 ist von Montag bis Freitag zwischen 8 und 18 Uhr sowie samstags von 9 bis 12 Uhr für Besucher geöffnet. Der Eintritt ist frei. | |||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||
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Fotografie: Thomas Florschuetz: Enclosure
(CC) 13, 2010/13 |
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Thomas Florschuetz zählt zu den bedeutenden
Fotokünstlern seiner Generation. Seine ersten Arbeiten widmeten sich in
den 1980er Jahren dem eigenen Körper, den er in fragmentarischen
Ausschnitten auf der Wand neu anordnete. Nach der Zuerkennung des ersten
Preises für junge europäische Fotografen siedelte er 1988 von Ost- nach
Westberlin über. Es folgten Arbeitsaufenthalte und Stipendien in New
York, Rio de Janeiro und in Pacific Palisades in Kalifornien. 2004
richteten ihm das Kunstmuseum Bonn und das BALTIC Center for
Contemporary Art die erste wichtige monografische Ausstellung aus. Sein Werk widmet sich heute besonders dem architektonischen Raum, den Thomas Florschuetz mit seinen Blickachsen und Wandflächen, Durchlässen und Raumführungen neu charakterisiert. Die seit 2010 entstehende und in dieser Ausstellung zum ersten Male öffentlich gezeigte Serie Assembly zeigt Regierungs- und Versammlungsgebäude in Brasilien, Indien und Deutschland. In einer Gegenüberstellung historischer indischer Architektur mit den Regierungsbauten Le Corbusiers in Chandigarh, der Hauptstadt des Punjab und Ahmedabad zeigt Florschuetz unterschiedliche Raumgebilde als strukturell gleichartige Abfolgen von Wandflächen und Durchlässen. Die Ausstellung präsentiert Thomas Florschuetz’ Bilder der Bauten Le Corbusiers in Indien als einen Gegenpol zu seinen Fotografien der Gebäude Oscar Niemeyers in Brasilia. Dass sowohl Chandigarh als auch Brasilia auf dem Reißbrett neu entstandene Regierungssitze sind, war dabei für den Fotografen ebenso reizvoll wie der Hintergrund der Lehrer-Schüler-Konstellation zwischen Le Corbusier und Niemeyer. Die Serie Assembly umfasst darüber hinaus Fotografien aus dem im Abriss befindlichen Palast der Republik in Berlin und dem kurz vor der Fertigstellung stehenden Neuen Museum auf der Berliner Museumsinsel. Thomas Florschuetz’ Fotografien erzählen nicht, sie beschreiben und abstrahieren. Im Kontext der im Museum Wiesbaden gesammelten und gezeigten Kunst der vergangenen 20 Jahre eröffnen sie die neue Perspektive einer fotografischen Haltung, welche die fragmentarische Darstellung zum Prinzip erhoben hat. Thomas Florschuetz’ Bilder sind als solche deutlich gekennzeichnete Ausschnitte eines größeren Zusammenhanges, in denen aber nie der Versuch unternommen wird, das Ganze zu zeigen. Ihr innerer Zusammenhang entsteht in der Zusammenfügung von Räumen und Flächen, und der gleichzeitigen Entkörperlichung von Architektur. |
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Museum in
Wiesbaden,
Friedrich-Ebert-Allee 2, 65185
Wiesbaden
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| Fotografie: Alexandra Polina, Ikonografie Made in USSR | |||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||||
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Die Wiesbadener Fototage finden alle zwei Jahre
statt. In diesem Jahr orientieren sie sich am Themenschwerpunkt "Im Lauf
der Zeit". Alle Informationen zu den Ausstellungen, Aktionen und Orten finden Sie unter: Wiesbadener Fototage |
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Dokumentationen und Kurse zur Fotografie imdeutschsprachigen Fernsehen
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Vorhergehende Ausgaben des Newsletters und des Onlinemagazines Fotografiekultur
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Die Deutsche Bibliothek - Nationale ISSN-Zentrum für Deutschland - ISSN der Publikation: 1862-7293 |
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© Copyright - Photoschule Horn - 22. Oktober 2011 |
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